Nasco nel 1993 da un’idea, in uno di quei momenti conviviali, tra un assaggio e un sorso di buon vino che Federica, Stefania e Valter amavano ricavarsi per parlare di arte, architettura, vita e innovazione. Nel dialogo, le intersezioni tra discipline erano i tratti più stimolanti, dove si scorgeva spazio per innovare, partendo dalla dialettica costruttiva tra progetto e processo, dall’evidenza che la creatività fluisce quando le strutture e gli immaginari che sostengono il nostro vivere si crepano.

Un profondo sentimento, forse innato, mi spingeva a creare bellezza, per dovere etico prima che estetico. L’artista contemporaneo quale contributo può offrire alla società? Immaginavo un agire creativo, trans-disciplinare, capace di generare nuove visioni, forme collettive e consapevolezza del bene comune, così da incidere nei processi di cambiamento della società. Servivano altri codici, era necessario affrontare nuovi paradigmi per immergersi nella complessità della realtà sociale, oltrepassando quelli che allora erano gli orizzonti visibili dell’arte e del ruolo dell’artista nella società contemporanea.

Un’idea tutta da sperimentare.

Mi sono mossa soprattutto per uscire dallo stereotipo che vede l’artista contemporaneo come un individuo eclettico e produttivamente marginale, fatto salvo l’apprezzamento di una parte elitaria della società: un’arte per pochi, fruibile in spazi e mercati ad essa dedicati. Insomma, un mestiere e una funzione sociale ritenuta, per competenze e forme dell’agire, non necessaria alla crescita della società contemporanea. Uno stereotipo che persiste tutt’oggi nella nostra cultura. Una visione paradossale della funzione sociale dell’arte, se si guarda alla storia. Nel rinascimento italiano sono state proprie le relazioni professionali tra l’establishment e gli artisti-architetti a dare forma alle nostre città, a dare immagine all’invisibile e al potenziale, a produrre e divulgare la cultura del tempo.
In altro modo, è grazie alla commistione tra tecnica e arte nella Bauhaus se la “bellezza utile”, attraverso il design, è entrata nelle case di tutti, trasformando manufatti unici, acquistabili da pochi, in produzioni industriali, a basso costo e disponibili a molti. 

Ho sempre guardato alla bellezza come un valore democratico e universale da vivere, ricercare e coltivare, consapevole che è facile assuefarsi alla bellezza, darla per scontata e non riuscire più a riconoscere la sua salutare e irrinunciabile presenza, nella vita di tutti i giorni e nel progettare il nuovo.

Mi è stato chiesto più volte se una metodologia può essere un’opera d’arte. È un po’ come chiedere ad uno scienziato se la sua ricerca è scientifica, ma la domanda porta a riflettere.

Considerato che la forma dell’opera può essere percepita inconsueta, le azioni dell’artista sono dirette a rendere visibile l’invisibile, svelare, ricordare, condividere e agire poetica e bellezza. La spinta è quella di indurre ad essere “creatori consapevoli” od “osservatori sensibili”, lo sguardo e l’agire tendono a ricercare le armonie nel gioco della vita. In questo la co-creation methodology è opera d’arte, aperta e in continua evoluzione.

Ogni progetto site-specific realizzato, ogni workshop, ogni viaggio di ricerca e ogni processo creativo è stato un banco di prova, un’occasione per migliorare i diversi piani della metodologia e per sviluppare nuove pratiche e strumenti. Oggi la Co-Creation Methodology ha una tools-box di oltre 100 strumenti, prassi e approcci che agevolano i processi di co-creazione rivolti alla generazione di beni comuni.

|approfondisci|